viernes, 1 de junio de 2012


MUSICA
ORIGEN
El origen de la música es desconocido, ya que en su origen no se utilizaban instrumentos musicales para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el registro arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje. Sin embargo la biblia manifiesta que en tiempo de Noé se alababa a Dios con danzas y música.

CONCEPTO
El origen etimológico proviene de la palabra MUSA, que en idioma griego antiguo aludía un grupo de personajes míticos femeninos, que inspiraban a los artistas.
-          "Arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído".[ (Jean-Jacques Rousseau)
-          "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor". (Claude Debussy)
-          “Arte de  combinar sonidos de la voz humana e instrumentos”
-          “Arte de combinar los sonidos y los silencios, a lo largo de un tiempo, produciendo una secuencia sonora que transmite sensaciones agradables al oído, mediante las cuales se pretende expresar o comunicar un estado del espíritu”.

EL SONIDO
La música se hace con sonidos. El sonido es la sensación producida en el oído por la vibración de las partículas que se desplazan a través de un medio elástico (sólido, líquido o gaseoso) que las propaga. En términos simples el sonido es todo lo que percibe el oído, todo lo que se escucha.
CLASES DE SONIDO
a)       Sonido Determinado: cuando las vibraciones son regulares y de cierta duración, el sonido resultante es  “musical” y representa una nota de altura determinada.
b)       Sonido indeterminado: cuando es producto de vibraciones irregulares y de duración insuficiente, el resultado es ruido.
El ruido
Conjunto de sonidos mezclados y desordenados que pueden ocasionar molestias o lesiones de oído.

CUALIDADES DEL SONIDO
a)       Altura o tono: habilidad de distinguir si tal sonido es “grave o bajo”, “alto o agudo.”
En la voz humana podemos hacer una comparación entre los sonidos agudos y graves de la siguiente manera:

ALTURA O TONO
DAMAS
VARONES
AGUDO
SOPRANOS
TENOR
GRAVE
CONTRALTOS
BAJO

b)       Intensidad: Es la cualidad que permite distinguir entre sonidos fuertes o débiles y se le conoce  como matices.
En música se escriben así:
"Pianissimo" pp             Muy suave
"Piano" p                       suave
"Mezzo forte" mf            medio fuerte
"Forte" f                        fuerte
"Fortissimo" ff               Muy fuerte

Podemos subir o bajar la intensidad con los matices:

"Crescendo" cresc Aumentando gradualmente

       

"Diminuendo" dim Disminuyendo gradualmente
        
"Crescendo diminuendo"          

c)        Timbre: es diferencia en el color tonal tocado por diversos instrumentos o cantada por diferentes voces. Así pues, el color de una nota nos permite distinguir entre varios instrumentos tocando la misma melodía.
d)       Duración: La duración es la longitud del sonido en el tiempo, unos sonidos son más largos que otros. Para describir la duración de los sonidos musicales utilizamos unas figuras musicales que son símbolos que nos indican la duración de las notas musicales

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lunes, 28 de marzo de 2011

El Dibujo Artístico (3º secundaria)

El dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea. Se representa por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios. Suele hacerse a lápiz, tinta, carboncillo o gis, o bien, combinando algunos de estos procedimientos. El lápiz permite hacer líneas, trazos suaves o gruesos y sombreados difuminados. 
Dibujar consiste en hacer impresiones recibidas básicamente a través de la vista.
El dibujo se divide en dos campos fundamentales:

a) El dibujo de tipo artístico.- es una representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos.
b) El dibujo técnico.- es opuesto al primero ya que trata de representar únicamente lo que observa.

Mientras que en el dibujo artístico, el artista deja volar su imaginación plasmando objetos o sucesos que pueden o no pertenecer a este mundo, siempre con un toque de creatividad e ilusión. El dibujo artístico tiene como objetivo representar gráficamente situaciones u objetos sobre una superficie de dos dimensiones (las del soporte de trabajo) aquello que el ojo ve en tres dimensiones, es decir, los aspectos que presenta toda imagen: la forma y el volumen.
  
Cómo aprender a dibujar.-
El proceso del dibujo artístico muchas veces es innato, pero sí puede perfeccionarse con el correr de los años; esta evolución se logra únicamente con práctica que le brinda al artista un estilo personal como propio.
Los materiales necesarios para llevar a cabo el dibujo son: lápices (negros y de colores), hojas de papel, goma de borrar y regla. Luego, para dar los detalles al dibujo ya terminado, se necesitarán colores los cuales pueden ser de la gama de marcadores, pasteles, lápices o crayones; en caso de querer hacer nuestra obra más artística, podremos optar por témperas y acuarelas, utilizándolas siempre con la ayuda de pinceles y agua.
 El lápiz.- Cuando nosotros dibujamos con un lápiz sobre un papel lo que está sucediendo es que el papel raspa al lápiz provocando que este se desgaste y deje pequeños pedacitos atorados en la rugosidad del papel. Si el lugar en el que vamos a dibujar con el lápiz es demasiado liso entonces este no pinta o pinta muy poquito. Como por ejemplo si tratamos de dibujar sobre un vidrio.
 Acuarela.- Pintura realizada con pigmentos disueltos en agua, que se caracteriza la transparencia; incluso la superficie del papel sobre la que se pinta con acuarela llega a ser visible a través de sus finos colores, creando un efecto velado, muy diferente del grosor y opacidad de otras técnicas como el óleo.
 Acrílico.-Técnica que brinda un efecto similar al del óleo constituido a base de la mezcla de pigmentos, agua y resinas que no amarillea, seca rápidamente sin cambiar de color y sin oscureser con el tiempo. Una de las ventajas del óleo sobre el acrílico es que tiene mayor brillo.
Técnica de la cuadrícula: Conjunto de cuadrados continuos, que resultan de cortar perpendicularmente dos series de recta paralelas.
Pasos a seguir:
a) Seleccionado el dibujo, mida el largo y el ancho del mismo
b) Divídalo en secciones trazando líneas horizontales
c) Ahora trazar líneas verticales entrecortando las líneas anteriores
d) Observe que se han formado una serie de cuadrados 
e) Enumere los cuadrados de los cuatro lados
f) En una hoja en blanco traslade la misma cantidad de cuadrados de igual tamaño ( sutilmente para poder borrarlas posteriormente), reduzca o aumente el tamaño de los cuadrados según desee obtener su dibujo.
g) Trasfiera cada sección del dibujo ubicado en cada espacio de los cuadrados
h) Terminada la trasferencia borre las líneas innecesarias de su dibujo.


Técnica del encaje: la forma más fácil de obtener un dibujo. Se llama encaje, o encajar, al procedimiento empleado para dibujar un objeto, lo más rápida, sencilla y fácilmente. La forma de cualquier objeto, sea plano o corpóreo, puede considerarse encerrada dentro de una figura geométrica regular o irregular de acorde con la forma del mismo, o bien combinaciones de varias formas simples. Casi todas las formas pueden representarse de éste modo: deduciendo su estructura geométrica. Esta figura geométrica que envuelve el objeto podríamos decir que actúa como una caja, de donde viene el nombre "encajar".

En los ejemplos podemos observar que la estructura geométrica de los objetos planos es análoga a un triángulo y una circunferencia. La de los corpóreos observaremos que una es básicamente un troco de cono combinado con formas esferoides y la otra es un cubo. Podemos ver alrededor nuestros innumerables ejemplos de objetos con formas compuestas por combinaciones de las formas básicas: el cubo, la esfera, el cilindro y el cono.
Proponemos como ejercicio, dibujar muchos objetos conocidos o de su invención aplicando este método. Con ello desarrollaremos y educaremos la vista para saber ver lo que estamos mirando y nos permitirá dibujar sin grandes dificultades.



ACTIVIDAD
  1. Realiza un dibujo aplicando la técnica de la cuadrícula 
  2. Realiza un dibujo aplicando la técnica de encajar



La Composición Artística (4º secundaria)

1.- Composición


La composición es, ordenar o adecuar distintos elementos gráficos dentro de un espacio visual, que previamente habremos seleccionado, combinándolos de tal forma que todos ellos sean capaces de poder aportar un significado para transmitir un mensaje claro a los receptores del mensaje. La composición organiza los elementos de una imagen para que se ajusten a la intencionalidad que queremos registrar. Los encuadres de una composición pueden ser muy distintos acercando o alejando las formas representadas según sean las intenciones expresivas del artista. Al componer hemos de conseguir armonizar, unir, relacionar líneas, masas y tonos,

llevando la mirada del espectador por el camino que nosotros queramos.

2.- Equilibrio
Es la distribución de las partes por la cual el todo ha llegado a una situación de reposo. No obstante, la idea de equilibrio implica fuerza y dirección, por lo tanto también movimiento En el arte, el equilibrio está referido a los bordes o marco del campo donde de acuerdo a éste se crea un campo visual limitado.

3.-Peso


Dos factores determinan el equilibrio, peso y dirección. El peso depende de la ubicación. Cualquier elemento colocado en el centro del campo, cerca de él o en el eje vertical central, pesa menos que uno que se encuentre alejado de estas zonas y que en consecuencia sufra tensiones de atracción o repulsión. El peso aumenta gradualmente a medida que éste se aleja del centro de la composición. El peso también depende del tamaño y el color. Ejm: Tamaño: A mayor tamaño corresponde mayor peso.


4.-Movimiento


El movimiento es el foco de atención más fuerte en una composición. Se considera movimiento a la tensión existente entre varios elementos formales y el campo que los contiene, a través del cual las figuras son atraídas, o repulsadas provocando la sugerencia de movimiento o desplazamiento. El movimiento es una acción en relación con las cosas fijas.



5.-Armonía


Principio estético íntimamente relacionado con la unidad orgánica de la "obra" en las artes espaciales. En lo relativo a sus valores formales incluye a su vez los principios de Simetría, Equilibrio y Proporción. Considerando la armonía como una necesidad humana de reducir la tensión, ordenar, racionalizar, explicar y resolver.

"Acróbata y joven equilibrista" PICASSO


La composición está resuelta mediante dos triángulos rectángulos que provoca una sensación de estabilidad y seguridad y el otro invertido, que es precisamente el que provoca la sensación opuesta, inestabilidad y también una sensación aérea, como de flotación o sustentación en el espacio. Por tanto, esta sencilla composición consigue conjugar dos sensaciones opuestas jugando con dos triángulos.

6.- El Ritmo


Un ritmo es una sucesión armónica de formas repetidas sobre un espacio con un orden predeterminado que generan trayectorias distintas: horizontales, verticales, inclinadas.
Al componer hemos de conseguir armonizar, unir, relacionar líneas, masas y tonos, llevando la mirada del espectador por el camino que nosotros queramos y ahí es donde está el movimiento y el cambio de formas.
Las masas dependiendo de su superficie y su tono tienen un peso y este debe equilibrarse en la superficie del cuadro.
La dirección del trazo, de la pincelada, pueden crear un fuerte ritmo.

martes, 15 de marzo de 2011

División del Arte en la Historia

Historia del Arte - Prehistória,edad antigua, edad media (3ºsec)

HISTORIA DEL ARTE


EL ARTE.- es toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética.

EL ARTISTA.- Es el que crea, requiere ante todo estar dotado de imaginación, expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos.

ARTES VISUALES: son las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una superficie plana tiene como función el comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual.



EPOCAS DE LAS ARTES VISUALES



PREHISTORIA

 ÉPOCA PALEOLÍTICA

Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales. El arte rupestre tiene tres fases:

a) Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas

b) Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles parecen paralelos.

c) Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, y se observa una asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo.

• PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre.

• ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad.

• ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.

EPOCA ANTIGUA

 ARTE EGIPCIO.- La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético.

• ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.

• PINTURA:, crean un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

• ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.

 ARTE GRIEGO

Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se carecterizo por su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.

Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.

• ARQUITECTURA: El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistemade construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.

- MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

• ESCULTURA:. El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son:

a) Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios.

b) Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana

c) Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema

• PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.

 ARTE ROMANO

Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable.

• ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.

• LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano.

• PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.

 ARTE ROMÁNICO

Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.

• ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos.

• ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.

• PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.

EDAD MEDIA EN EL ARTE

En el desarrollo de la historia denominamos Edad Media a los diez siglos que corren entre los años 476 y 1453; o sea desde la caída del Imperio Romano de Occidente hasta la caída del Imperio Romano de Oriente. El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, dado al espíritu eminentemente cristiano que definía al hombre medieval, nada puede extrañarnos que la culminación de tal obra artística sea la construcción destinada a honrar a Dios: aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte;

1. Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc.

2. Arte Bizantino.- en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente.

3. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios.

4. Arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: a) la formación de la clase burguesa, b) el desarrollo comercial y c) la industrialización.

La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.

1. ARTE PALOCRISTIANO

Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.

En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas

• ARQUITECTURA:

Con la gran creciente fe cristiana se vio la necesidad de construir cementerios o catacumbas las cuales se organizaban en varias partes:

a) Estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres.

b) En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular

Después del Edicto de Milán, a partir del año 313, la basílica es la construcción eclesiástica más característica del mundo cristiano.

La pintura y escultura estaban íntimamente ligada a las catacumbas en cuyas paredes existen pinturas con temas litúrgicos y en la escultura encontramos los sarcófagos.

2. ARTE BIZANTINO

Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.

• ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia.

• PINTURA: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes.

• LOS MOSAICOS: Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintada sino hecha con pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar.

• ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor.

3. ARTE ROMÁNICO

Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma.

• ARQUITECTURA: Su edificio tipo es la Iglesia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos.

• ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.

• PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción.

4. ARTE GÓTICO

La evolución final de lo románico desemboca en la obra llamada gótica entre los siglos XII y XV, florece en Europa poderosamente original y el más brillante del medievo, que, una vez desarrollada especialmente en Francia, abarca en su expansión los países de Alemania, España y Portugal, Inglaterra, Flandes (hoy Bélgica) y Suecia.

Fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores era los pueblos germánicos llamados Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales.

FASES DEL GÓTICO

- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII): Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza

- RADIANTE (siglos XVIII y XIV): Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.

- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV): Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.

ARQUITECTURA: A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis o San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia), además se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla.

ESCULTURA: La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, por ejemplo la decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.

PINTURA: Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:

• Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.

• Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.

• Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.

• Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica.

CUESTIONARIO

LEE CON DETENIMIETNO Y RESPONDA LAS SIGUIENTES PREGUNTAS (1 ptos c/u):

1. ¿Qué obras destacaron en la arquitectura egipcia?

2. Los monasterios, conventos e iglesia pertenecen a…………………………………………………………

3. ¿Cuales son las fases del arte rupestre?

4. ¿A que época pertenece la arquitectura megalítica?

5. ¿Cual es el nombre de las manifestaciones pictóricas de la época paleolítica?

6. Mencione los nombres de las famosas ordenes arquitectónicas griegas

7. Mencione los caprichosos decorativos de la pintura romana

8. Mencione las artes de la época antigua

9. Los grandes logros de los griegos se dieron en…………………………………………………………………

10. La fase Solutrense, del arte rupestre se caracteriza por…………………………………………………..

11. Menciona los periodos de la edad media

12. Describa las fases del arte gótico

13. Las construcciones bizantinas tomaron elementos de que pueblos

14. Los artistas ……………………………………………..realizaban excelentes……………………………………. centrados en la representación de acontecimientos bíblicos

15. Realiza un mapa conceptual de la prehistoria, época antigua. (3 ptos c/u):



Tarea

 Investigar y exponer las siguientes épocas del arte visual: prehistoria, época antigua y media

 Ilustra cada una de las épocas del arte en escultura, pintura y arquitectura.

a) Dibuja una composición de pintura rupestre y otra de tu elección con temperas y colores en cartulina cartón de 35 por 40

lunes, 14 de marzo de 2011

Historia del Arte - Edad Moderna, neoclasicismo y contemporánea (4ºsec.)

 (Siglos XV al XVIII)

RENACIMIENTO
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y pecadores.
Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.




SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA

Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; y Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.

ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor artístico.

PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.


EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adhiéranse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos
ESCULTURA: Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el movimiento de masas y líneas
PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Se halló entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.

ARTE DEL NEOCLACISMO
El nacimiento de la corriente cultural y artística denominada Neoclasicismo  surgió en el siglo XVIII. Abarca un periodo desde 1760 al 1830 aproximadamente.  En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a seguir. Artistas y aficionados viajarán a Roma para tomar modelos de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro internacional (Si bien es verdad que muchos modelos se toman del Renacimiento en lugar de observar directamente los edificios de la antigüedad).  Se corresponde con una muy profunda revisión de modelos sociales, económicos y políticos que se vive en Europa durante aquellas décadas.
En esta revisión de la cultura greco-romana tuvieron importancia los descubrimientos de Pompeya y Herculano y los dibujos de artistas y las teorías de los enciclopedistas (Voltaire, Rosseau, etc.)
Una de las características del neoclasicismo es que  se Inspira en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.
 Aspiración a una belleza, se habla de nuevo estilo, tratado como un resurgimiento y aparición del "verdadero arte". De ahí su nombre: neoclasicismo

ARQUITECTURA
 Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca) la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
La necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.
Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos.
Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés.

ESCULTURA
También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses clásicos. No obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara el sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813)
Representantes:                            
El italiano Canova fue el más destacado,
El danes Thorvaldsen, educado en Roma
Joseph Chinard, Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros

PINTURA
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron.
Entre sus características tenemos: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
Obras como el Juramento de los Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el predominio del dibujo. Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.

EDAD CONTEMPORANEA



El arte contemporáneo, conocido también como arte moderno, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:

• Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)

• Limitado:

• El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).

• El arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-,

• El arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-.

• En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida contemporánea, la ruptura con los módulos tradicionales es una de las características esenciales. El constante cuestionamiento de los convencionalismos convierte en un valor en sí misma a la transgresión por el mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise), con que la provocación termina fijándose como una convención más, y por tanto, generadora de oposición tanto desde una óptica subversiva como conservadora (todo lo que no es tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-).

• Los constantes avances científicos acostumbran a individuo y sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el desarrollo de cuotas cada vez más altas de bienestar y consumo sólo está frenado por obstáculos sociales y políticos que cada vez tienen menos sentido; o al menos cada vez se soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de ser removidos, bien sea por el reformismo social e institucional, bien por revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de masas y las más violentas y mortíferas guerras de la historia.

Movimientos del arte contemporáneo

1. Romanticismo (arte)
En arte, movimiento artístico e intelectual europeo que se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una actitud, pero sin embargo la pintura romántica se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico.

2. Impresionismo (arte)
Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo

3. Neoimpresionismo
Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat. El objetivo de Seurat era sistematizar una teoría del color que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través de la técnica que denominaba divisionismo (conocida hoy día como puntillismo), Seurat aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de pigmento puro, con fuertes contrastes de color. Al contemplar los cuadros desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden en un solo campo de color y reproducen con brillantez los efectos lumínicos.

4. Realismo (arte)
Movimiento que comenzó a mediados del siglo XIX como reacción frente al romanticismo. En arte y en literatura, supone el intento por describir el comportamiento humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen en la vida cotidiana.

5. Surrealismo
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dada, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental.

6. Expresionismo
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.

7. Expresionismo abstracto
Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.

8. Fauvismo
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX; derivó de los fuertes colores de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos Representantes: Henri Matisse, Van Gogh, Gauguin

9. Futurismo
Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento.

10. Cubismo
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

11. Constructivismo
Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo y que fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.

12. Abstracción
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.


 ACTIVIDAD A DESARROLLAR

CUESTIONARIO
Rellene los espacios en blanco 2ptos c/u

1.-  El Neoclasicismo es una…………………………………………………………………   que surgió en el ………………… y su modelo a seguir  era………………………………………
2.- Los artistas considerados fieras pertenecen al………………………
3.- Las composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos pertenecen a……………............................................
4.- En la ………………………………………neoclacista se elimina el……………………….y emplean un solo orden…………………………………………………………………………..en lugar de la superposición barroca.
5.- El arte contemporáneo conocido como……………………………………………………se ha producido en nuestra Época con el nombre de……………………………………….

Responda la siguientes preguntas 1Pto c/u

6.- como se llama el movimiento que aparece como reacción al romanticismo
7.- Mencione tres movimientos artísticos del siglo xx
8.- Como se conoce hoy al neoimpresionismo
9.- Mencione las características de la escultura neoclacista
10.- Cuando inicia la edad contemporánea y como se le conoce
11.- Mencione las figuras más representativas del barroco
12 Cuales son los estilos del renacimiento
13 En quien se inspiro el cubismo
14.- Cual es la característica de los dibujos de Leonardo Davinci. Ejemplo de una obra
15.- Que significa neoclasicismo

Tarea
  •   Investigar y exponer las siguientes épocas del arte visual: Edad moderna, neoclasicismo y, contemporánea
  •   Realiza un organizador visual por cada época estudiada (moderna, neoclasicismo, contemporánea)
  •   Ilustra cada una de las épocas del arte en escultura, pintura y arquitectura.
  •   Dibuja una composición  de pintura de la edad moderna  con temperas y colores  en cartulina cartón de 35 por 40